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La WAFA, World Association of Flower Arrangers, a pour objectif de promouvoir l’art floral à travers le monde. L’Organisation compte aujourd’hui trente pays et sa présidence est assurée, pour une durée de trois ans, par l’un des pays-membre qui a pour mission d’organiser le séminaire et le festival international d’Art Floral.

Le mandat des États-Unis s’est achevé récemment avec un spectacle haut en couleur. Du 15 au 19 juin dernier, la ville de Boston a accueilli la 10e édition du festival et fêté les 30 ans de la WAFA. Les démonstrations d’art floral ont eu lieu dans les diff érents théâtres de la ville. Les participants au concours international ont présenté leurs créations d’art fl oral au Seaport World Trade Center où se sont également déroulées plusieurs conférences. Près de 550 concurrents inscrits dans l’une des 30 catégories ont exprimé leur créativité et leur technique, tout en valorisant la beauté et l’originalité du végétal, afin d’offrir aux nombreux visiteurs une exposition inoubliable.
L’occasion était idéale pour des rencontres entre passionnés, autour et au-delà des fleurs, et des échanges culturels et amicaux riches. Un nouveau pays membre, le Brésil, a été accueilli lors de l’Assemblée Générale. Après le Japon, le Pakistan et les États-Unis, la WAFA revient en Europe. L’Irlande préside la WAFA pour les trois années à venir (2011- 2014) et Dublin sera, en juin 2014, le théâtre du prochain Festival International d’Art Floral.

Voici les prix obtenus par les concurrentes françaises :

• Prix de l’Excellence artistique et Premier Prix, catégorie « Caméléon » (bouquet à deux faces) : Marie-Luce Paris
• Deuxième Prix, catgéorie « Stones » (imposé) : Michèle Enel
• Deuxième Prix, catégorie « Space » : Nicole Siméon
• Troisième Prix, catégorie « Seasons » : Geneviève Cuypers et Elisableth Magri

Créée en 2004, l’association Ars Florum, lieu de rencontre et de discussions en Europe, regroupe les professeurs européens diplômés en art floral. Présidée tous les 3 ans par un pays différent, après l’Italie, la Belgique, c’est la France qui en assure la responsabilité dynamique. La présidente Laurence Perez se doit de rassembler les membres autour d’évènements majeurs, leur permettant de côtoyer et de travailler avec les grands noms de l’Art Floral.

Le séminaire annuel d’Ars Florum est un lieu d’échange et de travail entre les différentes nationalités. Après le château de Chenonceau en 2010, c’est le château de Valençay, un des plus beaux châteaux du Val de Loire, qui en 2011 a servi de décor aux créations florales des professeurs.

Les professeurs s’ouvrent aux techniques nouvelles, explorent le travail des matières, les alliances de couleurs… Le séminaire d’Ars Florum est un vivier d’idées où chacun s’imprègne du savoir-faire des autres. Une formation continue qui, chaque année, en plus de l’art floral, s’ouvre vers d’autres métiers d’art.
Après la vannerie avec Thin N’Guyen venu spécialement du Viêtnam, c’est Eric Boucher, maître verrier d’art, qui a initié les stagiaires aux techniques de collage du verre par séchage UV, permettant la réalisation de structures en transparence. Une alliance du verre et des fleurs. En 2011, dans ce haut lieu, 42 professeurs ont eu la chance de travailler auprès et avec ces créateurs de renom. Geert Pattyn et Clément Petit, grands stylistes ont fait voyager vers les nouveaux design floraux. Ars Florum permet de se nourrir des passions, apprendre des techniques et des façons de travailler des uns et des autres. La différence devient richesse et l’approche des nouvelles matières prend tout son sens pour renouveler ses aspirations.

D’inspiration moderne ou classique, grande ou petite, chacun a laissé libre cours aux jeux de fleurs et de végétaux pour répondre à l’esprit de la pièce. Les explications sur chaque création (pourquoi et comment les réaliser, les difficultés rencontrées de l’espace, le choix des fleurs pour l’alliance avec la pièce, etc.) ont été autant de moments communs d’enrichissements techniques.

Il a été organisé une exposition de tableaux de Valérie Lehman et Sandrine Vallée. Les créations florales se sont faites l’écho graphique et ont joué des harmonies des couleurs.

Le petit théâtre du château a ouvert exceptionnellement ses portes aux participants pour un spectacle floral éblouissant. Fine fleur de la fleuristerie gantoise, il apporte un mélange unique de charme et de conception de pointe.

Clément Petit, jeune médaillé d’or des Olympiades des Métiers (Calgari 2010), un coloriste né, a fait écho à Geert Pattyn pour qui les formes et les structures sont naturelles et modernes. Les démonstrations et les ateliers de Geert Pattyn assisté d’Yvan Poelman et de Clément Petit ont été des grands moments techniques de ce séminaire.

L’Ikebana est un art traditionnel japonais, consistant à réaliser des arrangements floraux selon des règles d’harmonie définies. Ces règles permettent de mettre en valeur les végétaux, en dégageant des lignes et des espaces. Il s’agit de donner « une nouvelle vie » aux fleurs et autres végétaux.

« Ikebana » du terme « ikeru » ou « vivre, respirer, être vivant » et de « hana » ou « fleur ».

C’est lors de la conquête de la Corée au V^e siècle que le Japon découvre la riche culture chinoise : écriture, philosophie, arts… Ces arts évoluent dans le temps pour correspondre au mieux à l’âme et à la sensibilité japonaise. Avec l’arrivée du Bouddhisme vers le VI^e siècle, une manière de plus en plus harmonieuse est adoptée dans l’offrande des fleurs et leur mise en place. Le moine Senmu, qui consacre sa vie à orner l’autel de Bouddha en recherchant à travers les fleurs la voie vers la beauté et la perfection, est à l’origine des bases de l’Ikebana.

Au X^e siècle, cet art sacré pratiqué uniquement par les moines gagne la cour, séduite par son esthétique. Seuls les hommes cultivés et de haute lignée (prêtres, seigneurs, samouraï…) pouvaient prétendre à cet art.

Au XII^e siècle, il se codifie et est l’expression d’événements de la vie sociale japonaise : mariage, majorité d’un garçon, départ d’un guerrier…

L’Ikebana atteint sa maturité artistique à l’ère Muromachi (1338-1573). C’est à cette époque que sont conçus les jardins de pierre de Kyoto. C’est également à cette époque que se développent des compétitions d’arrangements floral Hana-awase et de poèmes. Elles avaient lieu en juillet dans les temples et opposaient samouraï et prêtres.

Au XV^e siècle le grand Maître Senkei Ikenobo formule de manière précise les premières règles de l’Ikebana et crée l’école IKENOBO.

Au XVI^esiècle, cet art gagne les demeures des riches marchands et se démocratise pour enfin pénétrer dans les maisons, dans une pièce réservée aux études, à la calligraphie, à la cérémonie du thé et au recueillement. Sur le mur nord de cette pièce, couverte au sol par des tatamis, se trouve une alcôve appelé « tokonoma », où un hommage particulier est rendu aux saisons sous la forme entre autre de « rouleau suspendu » ou peinture japonaise, associé à un Ikebana, tous deux très dépouillés. Puis, cet art floral gagne les faveurs de la caste militaire à l’époque Momoyama (1568-1600) et le tokonoma s’agrandit avec la taille des résidences. Dans la première moitié du XVII^e siècle, le grand maître Seno II, reconnu par l’Empereur, codifie l’arrangement floral dans un style appelé Rikka, style composé de trois lignes principales représentant la trinité bouddhiste. Il organise de nombreuses expositions d’Ikebana à la cour impériale et invente l’arrangement monumental. Une large diffusion à travers des manuels imprimés fait naître de nombreux disciples. Le style Rikka atteint son acmé à la fin du XVII^e siècle.

A l’ère EDO (1603-1867), la richesse des marchands permet la diffusion encore plus large de cet art. Au sein de l’école Ikenobo, Inoue Tomosa,jeune maître, codifie un nouveau type d’arrangement proche de la philosophie confucéenne, appelé Seika. L’univers étant un cercle, les 5 principales branches dans ce cercle représentent les 5 éléments.

Après l’ouverture du Japon à l’Occident, en 1868, à l’ère Meiji, les femmes commencent à s’adonner à cet art jusque-là réservé aux hommes. Rapidement la maîtrise parfaite de l’Ikebana devient gage de « bonne éducation » au même titre que l’art de la cérémonie du thé, la poésie, la calligraphie, la peinture, la musique… Mais l’art floral reste pratiqué avec excellence par les hommes. Avec l’ouverture du Japon à la fin du XIX^esiècle, les japonais connaissent un véritable engouement pour tout ce qui vient de l’étranger mais les décorations florales très chargées et très colorées ne correspondent pas au tempérament et à la perception japonaise. L’Ikebana est néanmoins influencé, notamment par l’introduction de fleurs occidentales, ce qui entraine l’émergence de nouveaux styles.

C’est à cette époque que le sculpteur Unshin Ohara (1861-1916) crée sa propre école : l’école OHARA, entre tradition et modernité, basée sur la représentation de la nature, des paysages, des peintures de lettrés.

Au début du XX^e siècle, Sofu Teshigahara, dans le but de donner naissance à un art floral qui puisse se perpétuer dans le monde moderne et évoluer dans le temps, se renouveller sans cesse tout en demeurant profondément ancré dans la tradition japonaise crée sa propre école : l’école SOGETSU, basée sur la sculpture des végétaux et l’emploi de nouveaux matériaux dans les compositions.

Aujourd’hui le Japon compte un nombre infini d’écoles d’Ikebana dont chacune a son caractère propre, exprimant son style et ses règles précises.

Les occidentaux ont toujours insisté sur la quantité et la couleur des végétaux dans une perspective purement décorative de leurs bouquets. Les Japonais, au contraire, donnent un sens philosophique à leurs compositions. Les lignes, les masses et les couleurs vont créer l’atmosphère et la signification du bouquet. Dans l’Ikebana se trouvent toutes les techniques des arts plastiques : l’architecture pour l’élaboration de la structure du bouquet, la sculpture pour la recherche des formes et des volumes, la peinture pour l’harmonie et les effets de contrastes dûs aux couleurs et la texture des végétaux.
Comprendre les plantes au-delà de leur simple aspect, les analyser de manière intérieure, voilà une démarche enrichissante pour l’esprit.

L’approche peut se faire de deux manières :

soit la nature est prise comme modèle et on la reproduit en miniature dans la limite d’un vase, le plus fidèlement possible.
soit les branches ne sont plus utilisées comme végétaux mais comme objets avec lesquels on va tracer des lignes dans l’espace. On choisira alors les branches pour leur aspect insolite, leur couleur, leur forme.

Pour donner de la force au bouquet il est intéressant de privilégier un aspect :
naturel en cherchant à replacer les végétaux à l’état originel, tout particulièrement pour les paysages.
linéaire en dégageant la plus belle ligne d’une branche et en la mettant en valeur.
plastique en mettant l’accent sur une couleur ou sur des feuilles.
abstrait en transformant totalement l’aspect d’origine des matériaux et en les utilisant comme éléments de sculpture.

Le vase ne doit pas être pris comme simple récipient, mais comme participant, par ses qualités, à l’œuvre d’art qu’est le bouquet. Il faut harmoniser le vase avec les éléments utilisés, tant par la matière et la forme, que par la couleur. En Ikebana, nous pouvons aussi parler de « contenant » pour tous les objets aussi bien traditionnels (HANAKAGO ou panier en bambou tressé) que non conventionnels (bouteilles en plastique…)

Le bouquet traditionnel comprend au moins trois lignes principales. Les trois éléments arrangés dans un vase et s’élevant au-dessus de l’eau symbolisent l’unité entre le ciel, l’homme et la terre. La branche la plus forte représente le ciel, elle est essentielle pour donner force et élégance à l’arrangement. Les deux autres éléments sont disposés de manière précise de façon à former un angle par rapport à une ligne imaginaire qui traverse le centre du bouquet. Le but de cette disposition, symbolisant l’univers, permet de créer un volume, un bouquet en trois dimensions.

La nature ne produit jamais de symétrie absolue. La symétrie est synonyme d’immobilité, d’absence de vie. Ce qui est asymétrique, au contraire, donne une impression d’inachevé, de mouvement et donc de vie. Une composition se construit donc de manière asymétrique.

Le vide est l’une des caractéristiques majeures de l’Ikebana. De par sa structure dissymétrique, l’arrangement  présente une partie pleine et une partie vide. Le plein met en valeur le vide. La pureté des lignes et la profondeur ressortent. Ce vide fait aussi partie de la recherche du minimalisme. Tous les arts traditionnels japonais mettent en évidence cette notion fondamentale, celle du « vide » : ne pas remplir totalement un espace, dire ou faire l’essentiel avec un minimum de moyens, afin de laisser la part au rêve et à l’imagination. Le calme, le vide en soi, permettent de considérer chaque élément et de lui trouver la place « évidente » qu’il trouvera dans la composition.

Ikebana : exprimer l’essence de la nature et sa beauté, avec des lignes maîtresses et peu de végétaux.

L’Ikebana traditionnel a donc survécu à l’influence occidentale et s’est raffermi. La vitalité et la beauté qui jaillissent de l’Ikebana viennent de ce chemin parcouru à travers les siècles.